La Revolución Industrial acontecida durante la segunda mitad del siglo XVII afectó también al arte, y tuvo una indiscutible incidencia en el ámbito musical de finales del XVII y principios del XVIII. Muchos fueron los cambios y avances que se produjeron en los procesos y materiales utilizados en la construcción de instrumentos, y uno de los más afectados por estos avances fue el piano. Si los instrumentos de teclado ya habían ido adquiriendo un progresivo protagonismo durante la época barroca, es a partir de este momento cuando el piano se convierte sin ninguna duda en el instrumento rey del panorama musical europeo. Desde aquellas mejoras en el instrumento pensadas e implementadas por Bartolomeo Cristofori que permitían cambios de intensidad en la ejecución musical, y que brindaban a los intérpretes de este instrumento producir variaciones no solo en el volumen sino también en su timbre, y con los invaluables aportes de Érard, Stein, Streicher o Walter a finales del XVIII, o de Bösendorfer, Pleyel, Bechstein y el visionario Steinweg ya en el XIX, el piano adquirió la categoría de preciado y necesario e indispensable objeto que debía estar presente en cualquier sala de concierto, salón noble y casa burguesa a lo largo y ancho del continente.

Esta gran evolución propició que grandes compositores como Schubert, Liszt, Chopin, Schumann, Brahms o Debussy, en el XIX, y otro sinfín de compositores del XX, escribiesen obras maestras pertenecientes al acervo musical pianístico. En estas obras explotaron las capacidades del nuevo instrumento, desarrollando toda una serie de avances técnicos que permitirían a los grandes intérpretes de la época realizar acompañamientos más amplios, melodías más cantabiles, poderosas, apasionadas, y un largo etcétera de avances en la técnica que a su vez favorecieron la composición de páginas cada vez más ricas y elaboradas. De esta manera, el piano se convirtió no solo en el laboratorio de ensayos de las nuevas propuestas estilísticas y técnicas o en el vehículo de transmisión de los sentimientos a las sociedades europeas del Romanticismo, sino además en símbolo musical y artístico del Romanticismo y las épocas posteriores.

La escritura de piezas a cuatro manos está presente en la literatura pianística ya desde los tiempos del hijo de Bach conocido como “Bach inglés”. Johann Christian dejó como legado varias interesantes sonatas para cuatro manos, y compositores como Mozart o Schubert cogieron el testigo y continuaron explotando y enriqueciendo las posibilidades sonoras y tímbricas del instrumento con la presencia de dos intérpretes al mismo tiempo ante el teclado. Brahms, Fauré, Debussy, Ravel y otros muchos compositores aportaron grandes obras a esta peculiar formación.

La modalidad de piano a cuatro manos sitúa a la interpretación de los dos solistas en la categoría de “concertante”, y requiere unas ricas y precisas capacidades de compenetración y colaboración entre los ejecutantes. En la interpretación a cuatro manos, ambos músicos se sirven el uno del otro y se pasan de forma indistinta el testigo de canto y de acompañamiento para llevar al público a un auténtico clímax musical y sonoro. Exige a los pianistas una arriesgada a la par que milimétrica precisión en el ataque, la articulación y la expresión para, con una atención mutua y una sublime coordinación, sorprender al público ante una interpretación perfectamente sincronizada, como si de un reloj suizo se tratase.